Oktober 2, 2022

Reviews Februar 2022



Veröffendlichung: 18.02.2022

This third ARJEN ANTHONY LUCASSEN'S STAR ONE album “Revel in Time” is a reaction and definitely a contrast to Arjen Lucassen’s previous album, the Ayreon album “Transitus”. “Transitus” is a very cinematic album,almost a musical. The music very much serves the story,and the emphasis is mainly on the vocals. There are hardly any lengthy instrumental parts, and themusic is not primarily based on guitar riffs. In contrast, “Revel in Time”is — as with other Star One albums — pretty much riff based and there is more focus on virtuoso musicianship.

It turned out to be a pretty heavy album, especiallycompared to “Transitus”.While Star One albums are not technically rock operas with a storyline like Ayreon, they can still be considered concept albums. On the first Star One album “Space Metal” all the tracks are inspired by movies set entirely in space, like “Alien”. On the second Star One album “Victims of the Modern Age” all the tracks are based on apocalyptic, dystopian movies like “A Clockwork Orange”. For “‘Revel in Time” the tracks are all inspired by movies that deal with some kind of manipulation of time. The title of the album is a mash-up of “Travel in Time” without the first “T”, and “revel in your time”, which some of you fellow-sci-fi-movie nerds may know is a quote from “Blade Runner”, one of Arjen’s favorite movies of all time.

There is one thing this time around that is quite different compared to the earlier Star One albums. The first two had the same cast of four singers: Floor Jansen, Russell Allen, Damian Wilson and Dan Swano. They each sang parts in all the songs, interacting with each other. But this time Lucassen chose to feature a different singer for each song. One reason for this was that the international travel restrictions due to the pandemic meant that he was unable to fly the singers to The Netherlands and record them in his own studio. Usually, the different singers would interact with one another on a given song, but this time, Arjen decided to have mainly one singer per track, and a different singer for almost every track.

This shows especially on CD 2, the “Same Songs, Different Singers”-CD as Arjen likes to call it. The guide vocals that were recorded were way too good to just be guide vocals. Arjen felt it would be a real shame if they were never heard by anyone else, so he decided to release the guide vocal versions on CD2. And then at some point he started spontaneously inviting other singers to sing some of these tracks, because he was curious how the songs would sound with their voices. So CD2 ended up with no less than 9 different singers, all equally as good as those on CD1.

In the end no less than about 30 different musicians — singers and instrumentalists — contributed to “Revel in Time”. There were so many good musicians out there and Arjen simply chose to include them all.

In terms of style “Revel in Time” falls somewhere between the first and second Star One albums. It is quite a multifaceted album; each song has a completely different feel musically. Having different singers on each song only enhances this. That being said, the solid basis of Ed Warby’s powerful drums and Arjen’s guitar and bass work hold it all together and give it that typical Star One sound.

The front cover art was created by Arjen’s trusted favorite artist Jef Bertels.

Arjen Lucassen: guitars, bass, keyboards and vocals
Ed Warby: drums
Erik van Ittersum: Solina Strings
Marcela Bovio: backing vocals
Irene Jansen: backing vocals

1) Fate of Man:
lead and backing vocals: Brittney Slayes
guitar solo: Michael Romeo
2) 28 Days (Till the End of Time):
lead vocal: Sir Russell Allen
guitar solos: Timo Somers
3) Prescient:
lead and backing vocals:
Micheal Mills and Ross Jennings
4) Back from the Past:
lead vocal: Jeff Scott Soto
guitar solo: Ron Bumblefoot Thal
5) Revel in Time:
lead vocal: Brandon Yeagley
guitar solos: Adrian Vandenberg
6) The Year of ’41:
lead vocal: Joe Lynn Turner
vocalization: Will Shaw
guitar solo: Joel Hoekstra
synthesizer solo: Jens Johansson
7) Bridge of Life:
lead vocal: Damian Wilson
8) Today is Yesterday:
lead vocal: Dan Swanö
Moog synthesizers: Lisa Bella Donna
guitar solo: Marcel Singor
9) A Hand on the Clock:
lead and backing vocals: Floor Jansen
Hammond solo: Joost van den Broek
10) Beyond the Edge of it All:
lead vocal: John Jaycee Cuijpers_
guitar solo: Arjen Lucassen
11) Lost Children of the Universe:
lead vocals: Roy Khan
choir: Hellscore Choir
guitar solo: Steve Vai


CD II - Same songs, different szingers:
1) Fate of Man:
lead and backing vocals: Marcela Bovio
2) 28 Days (Till the End of Time):
lead vocal: John Jaycee Cuijpers
3) Prescient:
lead and backing vocals: Will Shaw
4) Back from the Past:
lead vocal: John Jaycee Cuijpers
5) Revel in Time:
lead vocal: John Jaycee Cuijpers
6) The Year of ’41:
lead vocal and synth solo: Alessandro Del Vecchio
7) Bridge of Life:
lead vocals: Wilmer Waarbroek
8) Today is Yesterday:
lead vocals: Arjen Lucassen
9) A Hand on the Clock:
lead and backing vocals: Marcela Bovio and Irene
Jansen (verses)
10) Beyond the Edge of it All:
lead vocals: Mike Andersson
11) Lost Children of the Universe:
lead vocals: Tony Martin


8 von 10 Punkte


Veröffendlichung: 25.02.2022

Mit ihrem neuen Studioalbum X melden sich die Österreicher zurück. Innerhalb kürzester Zeit, hat es die Band geschafft, die deutschsprachigen Hard N‘ Heavy Szene für sich zu begeistern. Auf über 60 Liveshows mit Bands wie ‚As I Lay Dying‘ oder ‚Hatebreed’ haben es die Jungs geschafft zu überzeugen.
Mit X veröffentlicht die Band ein neues Album, dass melancholische Texte, gepaart mit drückenden Gitarren und eingängigen Melodien verbindet. Die wuchtige Produktion, lässt den rohen und brachialen Sound vergangener Tage mit der Moderne eindrucksvoll verschmelzen.
Ähja...Wie?Die waren mit As I Lay Dying und Hatebreed auf Tour?Hm...
Ok-musikalisch ist das sicherlich "anders" -aber mal garnicht so schlecht umgesetzt!Nur bin ich denn auch mal ein ehrlicher Mensch und ich muss sdagen,das ich mich ETWAS an TOKIO HOTEL erinnert fühle!Sorry,Jungs für den "Vergleich"Natürlich find ich SILENZER fähiger....und natürlich ist das erwähnte bei manchen Songpassagen in meinem Hirn!Warum weiß ich selbst nicht.Die Mucke knallt ordendlich.Allerdings würd ich mir wünschen,die Band würde diese "weichen" Gesangspassagen mal etwas minimieren!Dieses schnelle gesangliche "umswitchen" zwischen Screams und "normal" sind nicht so mein Ding.Da bin ich gerade so im Flow...und plötzlich wieder raus...
Ansonsten garnicht so schlecht!
7 von 10 Punkte

TEN - Here Be Monsters

Veröffendlichung: 18.02.2022

UK hard rock stalwarts TEN used the downtime during the worldwide pandemic to work on not one, but two new albums. The first album to be released, "Here Be Monsters", will land on February 18, 2022. Following the success of the recent string of albums, from “Albion” to “Illuminati”, Hughes is joined once again by guitarists Dann Rosingana, Steve Grocott and John Halliwell along with bass player Steve McKenna, and keyboard maestro Darrel Treece-Birch. Drums on the album have been handled by Markus Kullman (Sinner, Glenn Hughes, Voodoo Circle). TEN continue to raise the musical bar higher for themselves, a goal they push on every release. Stunning guitar work, rich keyboards, excellent bass and drum interplay along with Hughes’ rich vocals are the order of the day here.

“Here Be Monsters” was produced by Gary Hughes and mixed and mastered by Dennis Ward. TEN’s longstanding professional association with Dennis has been ongoing since he mixed their 2011 album, “Stormwarning” and has always guaranteed albums with stunning sound and production

Fans should note that there are no ties between this and the next album, ie. "Here Be Monsters" is not a "Part One" or anything of this nature. The band has simply crafted two high quality releases and decided to put them out separately, in a fashion not too dissimilar to what happened to the amazing first two records which were recorded one after the other in a very short period of time.

British hard rockers TEN have an outstanding history of releases in their storied and revered catalog. Starting out as a sort of solo project built around singer and songwriter Gary Hughes, TEN found their audience playing a hard rock sound influenced by such giants as UFO, Thin Lizzy, Magnum, Giant, and Whitesnake in a time when playing this particular sound was considered ommericial suicide. The band's early records such as “The Name Of The Rose”, “The Robe”, “Spellbound“, and “Babylon” established the band as mainstays in the melodic hard rock genre, which has continued throughout their now 26 year career over the course of 14 studio albums.

Gary Hughes - Vocals
Dann Rosingana - Lead Guitars
Steve Grocott - Lead Guitars
John Halliwell - Rhythm Guitars
Darrel Treece-Birch - Keyboards
Steve McKenna - Bass

Markus Kullman - Drums

Band Contacts:


Here Be Monsters ist das fünfzehnte (in Zahlen 15 !!!) Studioalbum der Melodic-Hard-Rock-Band Ten. Die erste Single des Albums, der Titel „Fearless“, wurde am 06. Dezember 2021 veröffentlicht, während die zweite, „Hurricane“, am 12. Januar 2022 veröffentlicht wurde.

15 Alben...Junge,Junge...Das muss man auch mal erst hinbekommen.Und natürlich gab es "schwächere Alben" und Songs!Aber die Herrschaften sind sich und ihrer musikalischen Linie immer treu geblieben.Sie haben sich meiner Meinung nach nicht in irgendwelchen musikalischen Experimenten verloren.Als Fan sowieso und als "einfacher hörer" wusstest du immer,was du bekommst.

AUCH dieses Alben ist TEN-pur!Ich persönlich mag es,wenn ich genau vor einer Veröffendlichung weiß,was mich erwartet.Guter Sound,Gute Songs-alles auf den Punkt!

Also...ran an das Teil!Klare Kauf-Empfehlung!

10 von 10 Punkte


Alan Parsons - One Note Symphony - Live In Tel Aviv 

Veröffendlichung: 11.02.2022

Frontiers Music Srl is proud to announce the release of another stunning live performance from Alan Parsons and his incredibly skilled band of musicians, "One Note Symphony: Live In Tel Aviv" on February 11, 2022. The band's performance with the Israel Philharmonic Orchestra will be available on 2CD + DVD, Blu-ray, 3xLP, and Digital formats.

On how this very special performance came together, Alan says "We had been booked to play here with the Israel Philharmonic Orchestra and I thought it might be a great opportunity to record a video of the show. It’s a rare treat to perform with an orchestra, so I asked the IM3 Global Entertainment video team of Trinity Houston and David Minasian, who had earlier that year had done a great job filming two of our live shows in the Netherlands and produced our latest music video, The NeverEnding Show, to join us and film this performance as well.  As luck would have it, they agreed to make the trip to Tel Aviv, and hired a fantastic crew of local cameramen and technicians. We are all very proud of the final result."

"Whenever I have an opportunity to play with a Symphony Orchestra, I always try to incorporate songs into the setlist that we wouldn't otherwise be able to perform live, such as the epic Silence and I from the Eye In the Sky album, for example. We also took advantage of this opportunity to play The Sorcerer's Apprentice from our latest studio album, The Secret. It's a new version of a well known classical piece written by Frenchman Paul Dukas that originally appeared in the movie Fantasia. Tom Brooks,  our keyboard player, is also an incredibly talented orchestral arranger. He arranged and conducted all of the orchestral pieces for this particular performance, using former Alan Parsons Project conductor Andrew Powell as inspiration for the scores of some of the other songs included in the show," continues Alan.

Alan and his band have played in Tel Aviv (and Haifa) three times previously in 2010, 2015 and in 2017 and were thrilled to return. "There is a special sense of excitement whenever we play there. To be given the honor to perform with the Israel Philharmonic Orchestra, who are arguably one of the greatest orchestras in the world, was a fantastic experience," adds Alan.

Alan Parsons' career started when he was 18 years old and earned his first album credit on the Beatles "Abbey Road", an album recorded in the legendary London studios of the same name. He soon became a well respected studio engineer, working for Paul McCartney, John Miles, The Hollies, Al Stewart, and Pink Floyd, among others. He is particularly renowned for his work on the Pink Floyd masterpiece "The Dark Side of The Moon". Recorded in 1973, Parsons experimented with many of the most advanced recording techniques of the time, showcasing his forward thinking approach. As well as receiving gold and platinum awards from several countries, Parsons has received ten Grammy Award nominations for his engineering and production work. In 2007, he was nominated for Best Surround Sound Album for his most recent release "A Valid Path". In 1975, Alan formed The Alan Parsons Project along with producer and songwriter (and occasional singer) Eric Woolfson. The Project consisted of a group of studio musicians and vocalists, often involving the members of two bands Alan had produced: Pilot (Ian Bairnson, Stuart Tosh, and David Paton) and (on the first album) Ambrosia. The Alan Parsons Project released ten acclaimed studio albums, but rarely performed live, even after several US and UK Top 20 hits. The Project ended at the end of the 80’s.

Since then, Alan has released four albums under his own name, often featuring musicians that also appeared on the Project releases. In 1994, he started touring regularly as The Alan Parsons Live Project. In 2019, Alan returned with an acclaimed new studio album, his first in 15 years, entitled “The Secret”. The album was followed by a comprehensive world tour which saw Alan and his band perform new songs together with classic tracks from his catalog. Additionally, Alan was awarded the OBE (Order Of The British Empire) at the Queen’s Birthday Honours in June 2021.


One Note Symphony
Damned If I Do
Don't Answer Me
Breakdown/The Raven
Silence And I
I Wouldn't Want To Be Like You
Don't Let It Show

The Sorcerer's Apprentice
Standing On Higher Ground
As Lights Fall
I Can't Get There From Here
Prime Time
Sirius/Eye In The Sky
Old And Wise
(The System Of) Dr. Tarr And Professor Fether
Games People Play

1. One Note Symphony
2. Damned If I Do
3. Don't Answer Me
4. Time
5. Breakdown/The Raven
6. Miracle* (DVD/Blu-ray only)
7. Luciferama
8. Silence And I
9. I Wouldn't Want To Be Like You
10. Don't Let It Show
11. The Sorcerer's Apprentice
12. Standing On Higher Ground
13. As Lights Fall
14. I Can't Get There From Here
15. Prime Time
16. Sirius/Eye In The Sky
17. Old And Wise
18. (The System Of) Dr. Tarr And Professor Fether
19. Games People Play

Alan Parsons: Vocals, Acoustic Guitar, Ukulele, Keyboards
P.J. Olsson: Lead Vocals, Acoustic Guitar, Percussion
Todd Cooper: Vocals, Sax, Recorder, Acoustic Guitar, Percussion
Jeff Kollman: Guitars, Vocals
Tom Brooks: Keyboards, Vocals, Orchestral Arranger and Conductor
Dan Tracey: Guitars, Vocals
Guy Erez: Bass, Vocals
Danny Thompson: Drums, Vocals
Jordan Asher Huffman: Guest Vocals
The Israel Philharmonic Orchestra



Was soll man zu Alan Parsons noch sagen bzw. schreiben.Er war immer einer meiner "Lieblingskünstler".Bis heute.Ich höre das "Zeug" und schon fühl ich mich wohl.Ich weiß nicht,wie es anderen geht.Aber so empfinde ich jedesmal,wenn ich Alan Parsons höre.

Hinzukommt,das ich die Alben in der Vergangenheit-egal,welches Album- auch schon 10 Mal am Stück gehört habe,ohne das es mir zum Halse raushing!Das sagt schon alles über diesen tollen Künstler!

10 von 10 Punkte

TANKARD - ‘FOR A THOUSAND BEERS’ - zum  40. Jubiläum - das Noise Record Deluxe Boxset

Veröffendlichung: 25.02.2022

Die Geschichte von Tankards Aufstieg zu einer der meistverehrtesten Thrash Metal Bands begann zuerst bescheiden in Frankfurt unter dem Namen Avenger im Jahr 1982. Es waren die Demo-Tapes von ‘Heavy Metal Vanguard’ und ‘Alcoholic Metal’, die unter der Hand gedealt wurden und somit bekam die Band ihren Einstieg in die internationale Metal Community. Positive Mund zu Mund Propaganda rief seinerzeit Noise Records, ein neues Metal Label, auf den Plan. Die Band nannte sich von nun an Tankard (englisch für Bierhumpen) und sie wurden von Noise Records unter Vertrag genommen. Sieben Studio Alben blieben Tankard dem Label treu und ein Livealbum, ein Live Video und eine Compilation umspannten die Werke von Tankard und machten sie zu einer beständigen Größe in der Thrash Szene. Bis zum heutigen Tag touren sie global und machen Horden ihrer treuen und verrückten Fans glücklich.

Sie haben sich niemals übermäßig ernst genommen und zusammen mit ihrer allgemein bekannten Liebe zum Bier gibt es mit dem einzigartigen ‘fast thrash-punk’ pure Anarchie mit viel Spaß. Ihr 1986-er Debutalbum  ‘Zombie Attack’ war schnell, furios und ein großer chaotischer Spaß, der die Marschrichtung vorgab,  von dem, was noch kommen sollte. Und ja, es ging schnell, denn 1987 erschien ‘Chemical Invasion’ und mit dem 1988-er Album, ‘The Morning After’, zementierte die Band ihr Standing weltweit. Die EP ‘Alien’ hielt das Momentum 1989 fest bis dann 1990 das nachdenkliche ‘The Meaning Of Life’ veröffentlicht wurde. 1991 gab es die furiose Live Doku ‘Fat, Ugly & Live’ und ebenso das legendäre Thrash Fest in Berlin  aus dem der Film  ‘Open All Night’ entstand. Tankard sind immer produktiv gewesen, auch als die Zeiten für Thrash Metal 1990 härter wurden. Nichtsdestotrotz glaubten sie an ihre Musik und brachten 1992 das mehr beschauliche ‘Stone Cold Sober’ heraus. Auf ‘Two-Faced’ (1993) zeigten sie Zähne und prangerten die sozialen Ungerechtigkeit an und schlossen dann den Kreis  mit ‘The Tankard’ (1995). Das Album brachte sie zurück zur familiären Umgebung der Kneipe.

‘For A Thousand Beers’ ist ein Deluxe 40. Anniversary-Boxset, das Tankards Veröffentlichungen bei Noise Records feiert und ist die definitive Kollektion dieser Dekade ihrer Arbeit.


  • Zombie Attack (Splatter Vinyl)
  • Chemical Invasion (Swirl Vinyl)
  • The Morning After (inklusive derAlien EP) (Splatter Vinyl)
  • The Meaning Of Life (Paint Drop Vinyl)
  • Stone Cold Sober (Splatter Vinyl)
  • Two-Faced (halb und halb Farbvinyl)
  • The Tankard (inklusive der Tankwart EP) (Splatter Vinyl)
  • Fat, Ugly & Live DVD – inklusive dem Konzert Film  ‘Open All Night’, ‘Fat, Ugly & Live’ Album plus ein bisher unveröffentlichtes Video Konzert aus dem Dynamo in  Eindhoven 1987 und ein Audio Konzert aus Frankfurt 1988.
  • Ein 40 Seiten Buch in der Größe 30 x 30 cm angefüllt mit Fotografien, Quotes und Texten aus der ersten Dekade der Band. Es enthält viele rare und unveröffentlichte Fotos dieser Ära.
  • Verpackung in einem Bierkasten!

‘For A Thousand Beers’ ist ebenso verfügbar als 7 x CDs und DVD in einer Klappbox mit allen Studioalben, EPs und der DVD mit dem Live Konzert Bonus Material.

TANKARD online:


Neues Video (EMPTY) TANKARD:


40 Jahre TANKARD!Glückwunsch!Gut durchgehalten.Und sie rocken immer weiter.Zugegeben-und das meine ich nicht böse-musikalisch nicht unbedingt DIE TOPband!Aber darum ging es auch nie.Es ging um den SPASS.Es ging immer um die Musik.Perfekt ist eh niemand.Keine Band,nicht DU,nicht DU,nicht ich!Nur...40 Jahre an etwas "festzuhalten",was dir SPASS macht...Leute-das ist doch "verrückt"!UND...das nehme ich den Jungs voll ab:Sie nehmen sich nicht all zu WICHTIG!Sehen sich nicht als den Mittelpunkt des Universums!Und ich denke,dass ist das,was TANKARD ausmachen:Sie selbst zu sein und zu bleiben!DAS würde uns allen übrigens auch guttun!

NORMALERWEISE vergebe ich für solche Compilations KEINE Punkte...Aber hier mach ich mal ne´Ausnahme!

10 von 10 Punkte PLUS 10,PLUS 10 u.s.w

Slash Ft. Myles Kennedy & The Conspirators (SMKC) - 4

Veröffendlichung: 11.02.2022

Ein Jahrzehnt ist es her, dass Slash Ft. Myles Kennedy & The Conspirators (SMKC) ihr gemeinsames Debütalbum, das bahnbrechende„Apocalyptic Love“, veröffentlicht haben. Seitdem hat die Band – zu der neben Slash und Sänger Myles Kennedy auch Bassist ToddKerns, Schlagzeuger Brent Fitz und Rhythmusgitarrist Frank Sidoris gehören – einebeeindruckendeRock'n'Roll-Karriere hingelegt. Sie haben zwei weitere, hochgelobte Alben veröffentlicht (das opulente„World On Fire“ von 2014 und das straightere „Living The Dream“ von 2018) und die Bühnen der Welt, von Nordamerika bis Südostasien, über Europa und Großbritannien bis Australien und Neuseeland, den Nahen Osten und Russland, China, Japan, Südkorea und darüber hinaus bespielt.

Aber bei allem, was sie erreicht haben, und all den Orten, an denen sie Konzerte gespielt haben, blieb es für SMKC immer wichtig, ihreeigenen musikalischen Grenzen zu verschieben und neue kreative Wege zu erkunden.

Hier kommt „4“, dasmit Spannung erwartete, brandneueAlbum von SMKC. Getreu ihrer steten Weiterentwicklung ist es genau das, was man von Slash, Myles, Todd, Brent und Frank erwarten kann, aber auch anders als alles, was man bisher von ihnen gehört hat.Dieses Mal, so Slash, haben sie eine gewisse Magie eingefangen – den Sound von fünf Musikern und Bandkollegen, die einander zuhören und im Zeichen des Live Spirit miteinander Musik machen.

„Es hat etwas sehr Spontanes und Lebendiges an sich. Das liebe ich!", sagt Slash über „4“. „Das ist wirklich der Hauptunterschied bei dieser Platte – wir haben sie mehr oder weniger live eingespielt, inklusive aller Fehler. Es ist der Sound von uns fünf, wie wir in einem Raum zusammen jammen."

Natürlich", fährt er fort, „kann man ein großartiges Album machen, indem man den Bass und das Schlagzeug aufnimmt und die Gitarren später hinzufügt und all das. Aber diesen Live-Rock'n'Roll-Spirit einzufangen, dasist es doch, was die ganze Sache wirklich besonders macht."

Und keine Frage: „4“ ist etwas Besonderes. Das Album beginnt mit dem sechssaitigen Fanfarenstoß von Slashs Gibson Les Paul, der wie eine Sirene durch den Song schneidet und vor dem warnt, was da kommen mag – in diesem Fall dem Album Opener „The River is Rising", einer der härtesten und dynamischsten Kompositionen der Band bisher. Der Song beginnt mit einem bedrohlich akzentuierten Riff und einem tiefen Groove. Dieser baut sich zu einem für SMKC typischen Breitwand-Refrain auf, bei dem Kennedys Gesang über Wellen von Gitarrenmelodien reitet, bevor er in einen furiosen instrumentalen Sprint inDouble Time ausbricht. Über, um, neben und innerhalb des Vollgas-Rhythmus-Galopps seiner Bandkollegen rast Slashs High-Speed-Solo. „Es packt einen sofort", so Slash.

Und vom gewaltigen, andächtigen „Whatever Gets You By", über die slinky Grooves und Talkbox-getränkten Gitarrenhooks von „C'est La Vie", dem hymnischen Anschwellen von „The Path Less Followed",dem Cowbell-Boogie-Shake von „Actions Speak Louder Than Words" und dem schmutzigen Aerosmith-esken Funk von „April Fool", bis hin zur wütenden Attacke von „Call Off The Dogs"„4“lässtniemals locker!

Das ist ganz sicher ein Sound, den man von SMKC so noch nie zuvor gehört hat.

Mehr Beweise gefällig? Zum Beispiel das exotisch angehauchte „Spirit Love", das von einem schnarrenden Slash-Single-Note-Thema eingeleitet wird, gespieltauf einer elektrischen Sitar (aber keine Sorge – es läuft immer noch durch „einen Marshall bei voller Lautstärke", versichert Slash) und dann in einen psychedelischen Fiebertraum ausbricht, der von einem krachenden, hypnotischenRiff angeheizt wird. Kennedy: „Jedes Mal, wenn ich den Song höre, sehe ich eine Kobra, die vor einem Schlangenbeschwörer tanzt."

Oder, am anderen Ende des Klangspektrums, der helltönende Pop-Rocker „Fill My World".Ein Liebeslied mit Herz, auch wenn es, wie Kennedy zugibt, ein Liebeslied über seinen Hund ist, das mit unwiderstehlichen Melodien und einem von Slashs flüssigsten und ausdrucksstärksten Soli aller Zeiten erblüht.

Und dann ist da noch der Albumabschluss „Fall Back to Earth", ein sechsminütiges Epos, wieSlash es nennt, überschwemmt von cineastischen Klanglandschaften und dramatischen Tonartwechseln, getragen von einer Trademark-Slash-Gitarrenhook.

„4“bedient sich durch und durch einer breiten Palette von Klängen, Stilen und Stimmungen. Und das alles mit einem laserscharfen, musikalischen Fokus und einem starken Gefühl der Unmittelbarkeit.

„Jeder ist mit der Einstellung an die Sache herangegangen: ‚Okay, der rote Knopf wird gedrückt, die Bandmaschine läuft. Gib einfach Dein Bestes und vermassel es nicht!'" sagt Kennedy mit einem Lachen.

Er vergleicht den Prozess mit einem Schnappschuss: „Man dokumentiert einen Moment in der Zeit und lässt die Dinge einfach so passieren, wie sie passieren sollen. Es ist ein anderer Ansatz, aber ein sehr menschlicher.“

Diese andere Herangehensweiseist nur einer von mehreren Aspekten, die SMKC dieses Mal verändert haben. Während die Band ihre letzten beiden Alben in L.A. mit Michael „Elvis" Baskette aufgenommen hatte, entschied sie sich für Album „4“ nach Nashville zu reisen, um mit dem Grammy-gekrönten Produzenten Dave Cobb zu arbeiten, der unter anderem für die Rock- und Country-Projekte von Chris Stapleton, Jason Isbell, Rival Sons und Shooter Jennings bekannt ist.

„Dave und ich hatten diese großartige Unterhaltung, in der wir über [den berühmten Produzenten und Tontechniker] Glyn Johns, Live-Aufnahmen, Spontaneität sowie erste und zweite Takes sprachen – all diese Sachen, die genau mein Ding sind", sagt Slash. „Nach dem Gespräch sagte ich: ‚Let’s do this!“

„Die Erfahrung war“, so Slash weiter, „wirklich einzigartig". „Zunächst mussten wir während der Pandemie irgendwienach Nashville kommen – und zwar sicher. Also dachte ich mir: ‚Wir nehmen einfach einen Tourbus'. Das war schon ein Abenteuer für sich."

Kennedy fügt hinzu:„Wir versuchten, wirklich vorsichtig zu sein, da die Gesamtsituation immer noch ziemlich riskant war. Wir trafen uns also in Las Vegas und bevor wir in den Bus stiegen, ließen wir uns alle testen. Als wir dann in Nashville angekommen waren, wurden wir erneut getestet. Bevor wir durch die Studiotüren traten, wurden wir erneut getestet. Wir hatten ein wasserdichtes Protokoll ausgearbeitet.”

Die Sessions für „4“, die in Nashvilles legendärem RCA Studio A stattfanden – „es ist dieser riesige, historische Raum, der früher das Studio von Chet Atkins war", soSlash– gingen schnell voran.

„Ich erinnere mich, dass am Tag bevor wir das erste Mal ins Studio gingen, einer von Dave Cobbs Assistenten sagte: ‚Ihr werdet morgen Abend hier aufnehmen‘, erinnert sich Kennedy.„Und ich konnte es kaum glauben.“

„An diesem ersten Tag kamen wir rein, stellten die Backline mit ein paar Trennwänden auf und fingen an, live aufzunehmen, einfach so",erzählt Slash. „Wir nahmen zwei Songs pro Tag auf – Gesang, Gitarren, Bass und Schlagzeug – und wir behielten alles. Dave ließ uns einfach unser Ding machen."

Innerhalb einer Woche hatte die Band etwa 90 Prozent der Musik aufgenommen. Aber alles kam zum Stillstand, als Kennedy positiv auf Covid-19 getestet wurde. „Ich war der Erste, den es erwischt hatte", sagt der Sänger. Kurz darauf folgten Kerns, Fitz und einer der Haustechniker.

„Wir wohnten in einem Airbnb in Nashville und alle mussten in Quarantäne gehen", erinnert sich Slash. „Und ich saß da und dachte: ‚Vielleicht sollte ich in ein Hotel einchecken?' Aber ich wollte meine Band nicht im Stich lassen, nur weil einige krank waren."

Stattdessen verlegten sie die Sessions einfach in das Airbnb. „Am Ende musste ich drei der Vocals – ‚Spirit Love', ‚Whatever Gets You By' und ‚Fall Back To Earth' – im Poolhaus fertigstellen", sagt Kennedy. „Ich habe meine Vocals auf meinem Laptop aufgenommen und dann kam Todd und hat dort auch seine Backing Vocals eingesungen. Im Anschluss schickten wir die Dateien an Dave ins Studio."

Slashkonnte seine seine Gitarrenaufnahmen im RCA Studiobeenden, wurde aber trotz aller Vorsicht schließlich ebenfalls positiv auf Covid getestet. Tatsächlich war Sidoris der einzige Conspirator, der einer Infektion entgehen konnte. „Also habe ich ihn nach Hause geschickt", sagt Slash und lacht dann. „Ich sagte: ‚Du hast sowieso nichts mehr zu tun, also verschwinde von hier. Bleib weg von diesem gottverlassenen Ort!'"

Er fährt fort: „Es war wirklich eine Krisenzeit. Aber wir haben sie alle gemeinsam durchgestanden, also war es in gewisser Weise auch eine großartige Erfahrung und hat uns noch näher zusammengebracht."

Diese Erfahrung spiegelt sich unmittelbar im Sound von „4“ wider: „Wenn ich mir ‚The River is Rising' anhöre, höre ich, dass ich zu dem Zeitpunkt schon ziemlich krank war", sagt Kennedy. „Man kann es an meiner Stimme hören, wie verstopft meine Atemwege waren. Aber das ist das, was ich an dieser Platte wirklich interessant finde. Wir ließen diese Unvollkommenheiten einfach drin. Denn sie sind alle Teil der Geschichte."

Es ist eine Geschichte, die sich auch nach zehn Jahren immer noch fortsetzt. „Das Besondere an dieser Band ist, dass sie sich von Beginn an stetig weiterentwickelt hat", sagt Slash. „Und gerade wenn es so aussieht, als ob wir ein bestimmtesLevel erreicht hätten, treffen wir unsohne groß darüber nachzudenkenund legenauf natürliche Weise noch einen drauf.“

Das ist bei „4" ganz offensichtlich der Fall: „Ich habe das Gefühl, dass es in vielerlei Hinsicht eine Fortsetzung unserer gemeinsamen Arbeit ist, aber aufgrund der Art, wie das Album aufgenommen wurde, ist es auch eine Weiterentwicklung", sagt Kennedy. „Die Songs wurden aufgenommen und aus einem anderen Winkel betrachtet, was dazu beigetragen hat, den Sound neu zu definieren."

Und das wird die Band auch weiterhin tun. „Ich glaube, wir sind alle irgendwie erstaunt und angenehm überrascht, dass wir nach einem Jahrzehnt immer noch Platten machen und alle noch dabei sind", fährt Kennedy fort. „Aber das liegt daran, dass wir lieben, was wir tun, und uns wirklich mögen." Er lacht. „Es ist vielleicht nicht so aufregend, wie einem Boxkampf auf der Bühne zuzusehen, aber es ist sicherlich etwas, bei dem die Leute spüren, dass wir mit Leib und Seele dabei sind.“

Slash stimmt dem zu. „Die Conspirators sind eine so einfache, unkomplizierte Bandund so war es von Anfang an. Eine Band, in der jeder einfach nur zusammenkommen und spielen will.Und es gibt wirklich nicht vieles, was dazwischenkommen könnte. Wir stellen das Material zusammen und legen los.Und wenn wir damit fertig sind, gehen wir und machen andere Dinge.“

„Aber wir machen immer weiter", fährt Slash fort, „weil wir es lieben, diese Platten zu machen und die Touren zu spielen und eine wirklich gute Zeit zu haben. Und so easy wie das auch ist, istes gleichzeitig auch super, superwichtig, das zu haben. Wir tun es und es macht Spaß. Und deshalb werden wir es auch weiterhin tun."

10 von 10 Punkte

So...10 von 10 Punkte!

Anders kann ich nicht...anders will ich auch nicht!Warum?SLASH...fantastisch,GEIL!MYLES KENNEDY...fantastisch,GEIL und für mich einer der BESTEN Sänger!Die Songs sprechen für sich!Das writing etc....Da passt einfach mal wieder alles und wir werden den ein oder Song wieder im Radio etc. um die Ohren geballert bekommen!UND DAS mit Recht!Denn die beiden...DAS passt seit vielen Jahren einfach!Da kannste alle Alben mal durchhören an einem Stück!Und was bekommste als Fan?Gute Musik und gute Songs!So muss das!

RECKLESS LOVE! - Turborider 


Die finnischen Sleaze-Rocker RECKLESS LOVE melden sich mit ihrem fünften Studioalbum 'Turborider' zurück! Nach einer vierjährigen Pause und erst kürzlich in ihrer Heimat Finnland mit Gold für ihre ersten drei Alben ausgezeichnet, bereiten sich Sänger Olli Herman und seine Band nun auf den nächsten Schritt vor: 'Turborider' ist energiegeladener,Synth-Wave-angehauchter Rock mit einem unverkennbaren 80er-Jahre-Touch. Spaß? Stimmt! Positivität? Definitiv!

'Turborider' lässt dich die Welt um dich herum vergessen und seine ansteckenden Hooks machen es faszt unmöglich, nicht lauthals mitzusingen.

RECKLESS LOVE schalten auf ihrer neuen Scheibe einen ganzen Gang höher und begeben sich die Spielwelten der 80er Jahre. Im Zentrum der Sounds stehen 80er-Themen und die moderne, eher düstere Welt des Synth-Wave.

"Outrun' war der erste Song, den wir für das 'Turborider'-Album geschrieben haben, und ich denke, es macht durchaus Sinn,dass es auch die erste Singleauskopplung aus dem Album wurde. Irgendwie hat es dieser kleine Ohrwurm geschafft, all das zu vereinen, was in den Genen eines jeden Kindes steckt, das in der Ära von Arcade-Spielen, langhaarigen Metal-Bands undexplosiven Action-Filmen aufgewachsen ist. Die Texte sind voll von unterhaltsamen Wortspielen, thematisch geht es schon mal um Autorennen oder hormonstrotzendes Gebaren. Was den Sound angeht, so dröhnt der 80er-Jahre-Pop-Metal laut und unverkennbar, ist aber auch stark von modernem Synth-Wave gefärbt, was einen interessanten Cocktail ergibt", sagt
Reckless Love-Sänger Olli.

RECKLESS LOVE gründeten sich 2001 gegründet und haben bisher vier Alben veröffentlicht: 'Reckless Love' (2010), 'Animal Attraction' (2011), 'Spirit' (2013) und 'Invader' (2016). Der letzte Longplayer der Band wurde vor mehr als fünf Jahren veröffentlicht, sodass man nun fast schon von einem Comeback der Band sprechen könnte.
"Wir hatten eine lange Aufnahmepause und je länger die Pause wurde, desto höher wurde die Schwelle, an neuer Musik zu arbeiten, geschweige denn sie zu veröffentlichen", erinnert sich Olli. "Obwohl es klar war, dass wir immer den Wunsch hatten,unsere Karriere fortzusetzen, hatten wir das Gefühl, dass wir eine neue Perspektive für unseren kreativen Ausdruck finden mussten. Wir mussten "Outrun" schreiben, um wiedergeboren zu werden - und das taten wir. Der Song zeigte uns den Weg,wie wir das neue Album schreiben sollten."

Ein weiterer spannender Song auf dem "Turborider"-Album ist die zweite Single, "Eyes Of A Maniac", die eine interessante Perspektive bietet. "Ich schreibe selten über die gruseligeren oder dunkleren Dinge, die mir im Leben passieren", so Olli. "Die meisten Songs von Reckless Love handeln eher von der Sonnenseite des Lebens, aber ich wollte dieses Mal eine Ausnahme machen. In 'Eyes Of A Maniac' geht es um das Monster, vor dem man nicht weglaufen kann - das dich in jedem Spiegel verfolgt, egal wohin du gehst."

RECKLESS LOVEs fünftes Studioalbum ''Turborider'' wird am 25. Februar 2022 veröffentlicht - und neben Digipak und farbigem Vinyl bietet die Band ihren Fans etwas ganz Besonderes: Das limitierte Box-Set wird die Digipak-CD, eine signierte Autogrammkarte und ein Handheld-Videospiel enthalten!


"FOR FANS OF: Guns 'n' Roses, Mötley Crüe, Steel Panther, Kissin' Dynamite"-so steht´s im Info...

Hmmm...Ich weiß nicht,ob ich das hier mit o.g. Bands gleichsetzen möchte...EHER NEIN!

Ja-es gut produziert.Klingt modern...Der Sänger ist ganz ok.Die Gitarre ist gut-der Rest auch ganz ok!Und ja...da hör ich sogar "Bark at the moon" von Ozzy-und SORRY!Da hört´s bei mir dann auf!Mehr möchte ich dazu nicht sagen!Bin ich in einem Tanztempel oder was?

Ich vergebe dafür KEINE Punkte und ich hör jetzt auch auf etwas darüber zu schreiben!

Nur noch etwas:ES ist nicht meins!...und das ist noch gemäßigt ausgedrückt!

SIN STARLETT - Solid Source Of Steel

Veröffendlichung: 22.02.2022

If it comes to pure Heavy Metal made in Switzerland, SIN STARLETT is the real deal!
The band was founded in 2005 in Lucerne and released their first demo album shortly after. Tragedy struck the band in Summer 2007 when drummer “Dany King” was found dead in his apartment. The guys were shocked, but still had a strong will to continue their iron mission. A new drummer was found very quickly and they released their debut album "Call To The Punisher" in 2008 and received positive response from the press. In 2012 the Swiss metalheads returned with their second output called "Throat Attack" (CD/LP on Emanes Metal Records) packed with songs that breathe the raw, hard-rocking spirit of the N.W.O.B.H.M.

Over the years, SIN STARLETT established a reputation as an outstanding live band and is well known for their energetic, sweat soaking live shows. As Joey DeMaio from Manowar once said: “Man, these guys are more metal than I am!” After playing numerous shows all over Switzerland, Germany, Spain, The Netherlands - and even conquering Greece with an astonishing gig at the Up the Hammers-festival! - the band released their third album "Digital Overload" in February 2016. This album proved that they perfected their formula, delivering 8 pieces of powerful, compact & timeless Heavy Metal anthems.

In 2019, the band recruited their new Guitarist "Jack Tytan" and started writing material for their next longplayer. Their 4th opus "Solid Source Of Steel" will finally be released in February 2022 and is showing the band at their peak - exciting Metal-hymns, thrilling twin-guitars, presented with a refreshing “down-to-earth”mentality. No trends, no gimmicks - just pure Heavy Metal!

"Solid Source Of Steel" - Official Video Clip:



1. Solid Source Of Steel

2. Rule Or Obey

3. Straight And Ready

4. Streetlight Domino

5. Struck Down

6. Blessed By The Shot

7. Waves Of Hamartia

8. Iron Stamina
 (playing time: 48:36 min.)


Elias Felber - Vocals

Reno Meier - Guitars

Jack Tytan - Guitars

Christoph Widmer - Bass

Elias Burri - Drums



Sicherlich...Das Material klingt interssant und ist auch gut umgesetzt worden!Ich kann persönlich nicht so viel damit anfangen.Vielleicht sind es die Vocals des Sängers...Die Stimme ist nicht schlecht,aber die HOHEN Passagen nerven mich kolossal!Über den Mix des Albumsounds -naja...klingt auch gut!Vielleicht etwas viel Hall.Das ist mir gefühlt auch zu viel.Etwas mehr "Druck" im Sound wäre wohl besser gewesen!

Die Songs klingen vom arangemant her 80er-Sehr cool!

Hm...klingst alles soweit OK!Aber mehr auch nicht.Sorry,Leute!Mir fehlt der letzte "KICK"!

5,5 von 10 Punkte

Division:Dark - PROPHECY

Veröffendlichung: 11.02.2022

Division:Dark ist ein Zusammenschluss von fünf dunklen Propheten, die in ihrem Debütalbum PROPHECY die erste Etappe in der neu angebrochenen Zeitordnung prophezeien. Die Menschheit wird langsam auf den jüngsten Tag vorbereitet. Was dann passiert, bleibt jedoch bis dahin im Verborgenen. Die Menschen müssen ihre Lektionen lernen, um für diesen einen Tag gewappnet zu sein, schaffen sie es nicht, bleiben sie in ewiger Verdammnis. Die internationale Elite von Division:Dark wird die Menschheit auf eine Reise gespickt mit bombastischen Industrial Metal, einer mystischen Aura und einer melodiösen Eingängigkeit mitnehmen. Seid bereit für die Offenbarung, der Tag des jüngsten Gerichts wird bald anbrechen! Fallen oder springen, abtauchen oder schwimmen. Die Reise beginnt jetzt.

CD oder DVD: 

01 - Eve (feat. Isra Ramos) |

02 - Stärker Als Gott (feat. Anna Lux & Eric Fish) |

03 - Twisted Game (feat. Vicky Psarakis) |

04 - Bevor Wir Wieder Asche Sind (feat. Lex) |

05 - (They're All) Hypocrites (feat. Chris Pohl) |

06 - Division:Dark (feat. Seeb) |

07 - Der Letzte Tanz (Dino Serci & Otto Dix) |

08 - Still Meinen Durst (feat. Frank Herzig / Schattenmann)

09 - The Art In Artificial (feat. Scarlet Dorn) |

10 - Destination (feat. Steffi Stuber) |

11 - Promise (feat. Saeko & Seraina Telli)

12 - Bound Together (feat. Anna Murphy)

13 - Wrong (feat. Anneke van Giersbergen)


Sicherlich ist das vorliegende Material ein interessantes Album.Die Produktion ansich und insich...SUPER umgesetzt.Und es tut mal gut,unterschiedliche Sänger zu hören.Das Thema des Albums-dazu muss sich jeder selbst seine Gedanken machen.

Aber das Teil hier macht schon echt SPASS!

8 von 10 Punkte

SERIOUS BLACK - Vengeance Is Mine

Veröffendlichung: 25.02.2022

Einer der neuen Songs der kommenden SERIOUS BLACK-Studioscheibe ‚Vengeance Is Mine‘ nennt sich ‚Album Of Our Life‘ und trifft damit wohl den Nagel auf den Kopf, und zwar in gleich mehrerer Hinsicht. Denn einerseits ist der internationalen Power-Metal-Formation um Bassist und Gründer Mario Lochert das wohl kraftvollste und ideenreichste Werk ihrer bisherigen Karriere gelungen, mit massenhaft tollen Gitarrenriffs, groovenden Rhythmen und hymnischen Melodien.

Andererseits geht es hier auch textlich in für die Band bislang unerforschte Tiefen. Lochert: „Wie nie zuvor habe ich diesmal Einblicke in mein Innen- und Privatleben zugelassen, also: wie ich denke, wie ich fühle, wie ich bin, und wie schwierig es sein kann, eine Band am Laufen zu halten, wenn es einem selbst nicht gutgeht. Die Texte auf ‚Vengeance Is Mine‘ spiegeln die zurückliegenden vier, fünf Jahre wider. Dies wiederum hatte natürlich Auswirkungen aufs Songwriting, das noch intensiver
und emotionaler geworden ist.“

Der SERIOUS BLACK-Mastermind spricht über ein Album, das am 25. Februar 2022 auf den Markt kommt, aber vorab bereits mit vier Singleauskopplungen für reichlich Appetizer sorgt. Am 17. September 2021 wird der Track ‚The Story‘ inklusive eines offiziellen Lyric-Videos veröffentlicht, knapp einen Monat später folgte die zweite Auskopplung inklusive des offiziellen Musikvideos "Rock With Us Tonight". Der dritte Song mit einem weiterem Lyric-Video erscheint am 2. Dezember 2021, bevor dann am 7. Januar 2022 die Hauptsingle ‚Out Of The Ashes‘ (ebenfalls inklusive eines offiziellen Videoclips) das Licht der Öffentlichkeit erblickt. Exakt drei Wochen später steht dann das komplette neue Album in den Geschäften.

Locherts Einschätzung, dass seiner Band mit ‚Vengeance Is Mine‘ ein Meisterwerk gelungen ist, trägt einen – zumindest in diesem Kontext – neuen Namen: Nikola Mijić, stimmgewaltiger Sänger aus Serbien und nach einem erfolgreichen Gastspiel bei den Engländern Eden´s Curse seit kurzem Frontmann von SERIOUS BLACK. Mijić ist der Nachfolger von Urban Breed, der im Frühjahr 2021 seinen Ausstieg bekannt gegeben hat. Lochert: „Ehrlich gesagt waren wir ziemlich perplex, als Urban mitten im Songwriting für ‚Vengeance Is Mine‘ die Band verließ. Dennoch wünschen wir ihm für die Zukunft alles Gute.

Um durch Urbans Ausstieg keine Zeit zu verlieren, haben wir sofort nach einem neuen Sänger gesucht und parallel weiter an den aktuellen Songs gearbeitet.“ Zum Glück gab es dabei prompte Hilfe von berufenen Kräften: Der mit SERIOUS BLACK befreundete Sänger Henning Basse (Ex-Metalium, Ex-Firewind) half beim Ausarbeiten der Gesangsmelodien und Stimmphrasierungen von vier Songs, der griechische Multiinstrumentalist Bob Katsionis (Ex-Firewind, Outloud) unterstützte das Songwriting des neuen Materials. Lochert: „Mit Henning und Bob sind wir seit Jahren eng befreundet, insofern haben wir uns über ihre Unterstützung natürlich riesig gefreut.“

Und so kommt jetzt bei SERIOUS BLACK zusammen, was zusammen passt: Mit dem ausdrucksstarken Timbre von Nikola Mijić, den rasanten Riffs und Hooks ihres Gitarristen Dominik Sebastian, vielen treibenden Grooves von Schlagzeuger Ramy Ali und dem abwechslungsreichen Songwriting von Bassist und Bandleader Mario Lochert avanciert ‚Vengeance Is Mine‘ zum Paradebeispiel eines tiefmelodischen und zugleich kraftstrotzend-dynamischen Power-Metal-Albums.
Produziert und gemischt wurde ‚Vengenance Is Mine‘ von Lochert in seinem ‚SERIOUS BLACK-Studio‘ in Kirchseeon, die Gitarren hat Dominik Sebastian in seinem eigenen Studio aufgenommen, Orchester-Arrangements und Keyboards stammen von Katsionis aus Griechenland. Für die hymnischen Background-Chöre (Lochert:

„Man könnte auch sagen:
Engels-Chöre!“) haben SERIOUS BLACK die Belgrader Sängerin Ana Nikolic verpflichtet. Das erste Mastering hat Mika Jussila (Avantasia, Stratovarius, Nightwish) in den renommierten ‚Finnvox Studios‘ in Helsinki übernommen, zusätzlich veredelt wurden die Aufnahmen durch ein zweites, neuartiges und Klang-optimierendes Mastering-Verfahren von Konst Fischer. Lochert: „Diesmal haben wir wirklich an jeder Stellschraube gedreht, um das bestmögliche Resultat zu bekommen.
Und ich denke, der große Aufwand hat sich nachweislich gelohnt!“



Trotz des wechsels am Micro...Egal-sag ich mal jetzt ganz salopp!Nix gegen den Vorgänger!Aber ich mag das so mit den Vocals,wie es jetzt klingt!Insgesamt weiß ich,wenn ich Namen SERIOUS BLACK höre,was ich bekomme!Nämlich auf die Ohren - und DAS ist auch gut so.SERIOUS BLACK gehören mittlerweile zu den etablierten Bands.Und so soll und muss es bleiben!Grundsätzlich hat die Band-mit welchem Sänger auch immer- IMMER sehr gutes Songmaterial rausgeknallt.Songmaterial,was in der Gesamtheit immer sehr gut arrangiert und umgesetzt wurde.

Dieses Album ist "wie immer"...und vielleicht sogar nochmal 10 % "besser"(was auch immer "besser" bedeutet...).

8,5 von 10 Punkte

SAXON - Carpe Diem

Veröffendlichung: 04.02.2022

Die Britische Heavy Metal Legende Saxon veröffentlicht ihre zweite Single und das offizielle Video zu “Remember the Fallen” aus dem am 4. Februar erscheinenden neuen Studioalbum “Carpe Diem”.

“Ich wollte einen Song über Covid verfassen, für all die Leute, die gestorben sind, und ich wollte meine Ansicht dazu teilen, wie es dazu kommen konnte, sagt Biff Byford. “Einige Aspekte sind immer noch mysteriös und natürlich, diese Pandemie ist nicht vorbei! Wir sollten an die Menge Leute denken, die gestorben sind – nicht wirklich wissend warum?!”

“Remember the Fallen” wird begleitet von einem “Reportage” Video, montiert aus den individuellen Aufnahmesessions der Band.

Offizielles Video “Remember the Fallen”: https://youtu.be/4sNoK4D65LU

Saxons Karriere umspannt 44 Jahre mit mehr als 15 Millionen verkauften Alben, einschließlich vier Top 10 UK Alben und Top 5 in Deutschland.

“Es sieht so aus, als ob wir ein arbeitsreiches Jahr vor uns haben, alle Festivals wurden auf dieses Jahr verlegt, wir werden in den USA touren und auch im Herbst in Europa. Also, Daumen gedrückt, dass es passieren wird und wir alles machen können, was wir uns vorgenommen haben“ – so Biff Byford

„Carpe Diem“ ist in verschiedenen Formaten erhältlich - pre-order at this location: https://smarturl.it/SAXONCARPEDIEM

 Carpe Diem Tracklisting:

  1. Carpe Diem (Seize the Day)
  2. Age of Steam
  3. The Pilgrimage
  4. Dambusters
  5. Remember the Fallen
  6. Super Nova
  7. Lady In Gray
  8. All for One
  9. Black is the Night
  10. Living On the Limit

Produziert von Andy Sneap (Judas Priest, Exodus, Accept und momentan Priest Gitarrist) in den Backstage Recording Studios in Derbyshire, UK. Byford und Sneap waren für das Mixen und Mastern zuständig.  „Carpe Diem“ lässt dich aufhorchen und ist eines der essentiellen britischen Metal Statements der letzten Jahre. Das Album hat alles, was man hören möchte: Geschwindigkeit, großartige Riffs und alles mit dem richtigen Biss, der die Freude der treuen Anhänger noch mehr entzündet aber auch eine Legion neuer Saxon Anhänger finden wird.

Alle Texte von Biff Byford. Background Vocals Seb Byford



Follow Saxon on:




Was will man schreiben zu einem NEUEN SAXON-Alben...In der Mehrheit aller Veröffendlichungen sind auch fast alle  Alben der Hammer.Wenige davon sind nicht so angekommen bei mir...Aber das ist bei anderen Bands genauso,die es geschafft haben,44 Jahre am Start zu sein und was weiß ich wieviele Milionen Alben verkauft haben.

Ich werde mich hüten,etwas schlechtes über dieses Album und über diese Band zu schreiben.Warum?Weil ich diese Band zu den Bands zähle,die Generationen von Musikfans und Musiker Weltweit beeinflusst hat.Und mal ganz ehrlich...das Album hier ist wieder - für mich - einKnaller!

Eine Band,die 44 Jahre "unterwegs" ist...Ja-die muss man mit RESPEKT "behandeln".Ich tue das auf jeden Fall.Ganz einfach,weil das "Zeug" wie FAST immer toll ist!

10 von 10 Punkte (UND DAS ist mein voller Ernst - ich kann und will auch nicht anders)


RELEASE DATE: 07.01.2022 (Targetshop.dk)
RELEASE DATE: 25.02.2022 (WW)

What did the Tygers do when the world was locked down? Well, quite a lot as it happens. For a start a new guitarist, Francesco Marras, and a new bass player, Huw Holding were recruited. They were also proud to collect a music industry award from Hard Rock Hell as winners in the NWOBHM section. And … if that wasn’t enough, they have written and demoed their next album and produced a new four track E.P.

The E.P. features two rerecorded tracks from their first album “Wild Cat” plus two new tracks. “Fireclown” and “Killers” from “Wild Cat” now firmly bear Francesco’s musical stamp and new tracks “A New Heartbeat” and “Red Mist” demonstrate what might be expected from the next Tygers album - the Tygers signature sound of heavy as hell riffs,finger knotting solos and Jack Meille’s vocals extraordinaire. The mix was executed by Marco Angioni at Angioni Studios and, as with all recent Tygers releases, the mastering
was completed by Harry Hess.

The release comes initially as a digipak CD and will only be available in physical form from the Tygers website and directly from their record company Mighty Music/Target Group. A vinyl version will follow.

Robb Weir commented ““Fireclown” and “Killers” are much neglected Tygers gems.They are rarely played live but often requested so we thought it would be interesting to hear a modern take on them. Visiting the past brings back so many memories for us and, I’m guessing, for Tygers followers”. Jack Meille added: “Lockdown may have prevented us from playing live but it couldn’t curtail the creative spirt that has resulted in the creation of “A New Heartbeat” and “Red Mist” for this single

Robb Weir: guitar
Francesco Marras: guitar
Jack Meille: vocals
Gav Grey: bass (on the EP)
Huw Holding: bass
Craig Ellis: drums


7,5 von 10 Punkte


Veröffendlichung: 25.02.2022

Although it is now quite a while since SVARTSOT have released new material, the band is still very much alive and kicking. In the interim since 2015’s “Vældet”, the beer-soaked folk metallers have been active on the live scene in Denmark and abroad, including appearances at various major festivals as well as at the prestigious 70000 Tons Of Metal cruise in 2019. After a change of bassist and the decision to shelve an album’s worth of material in 2017/18, the idea of releasing a collection of traditional folk songs that have inspired the band, reworked in SVARTSOT’s characteristic style, was spawned.

The original idea was to release this fifth album, entitled “Kumbl” (an old Danish word meaning ‘monument’ or ‘memorial’), in 2020 to coincide with SVARTSOT’s 15th anniversary. However, due to various practicalities, the album was first recorded — by none other than the band’s drummer and up-and-coming producer, Frederik Uglebjerg (www.uglebjerg.com) — during the pandemic. The release also marks the band’s first collaboration with Danish metal label, Mighty Music.

“Kumbl” features 12 tracks that present a mixture of some relatively unknown and other more popular folk and late medieval songs from Denmark and across Northern Europe. Two songs feature guest vocal appearances by Andrea Uglebjerg, vocalist in the Danish punk band Situationsfornærmelse and sister of aforementioned Frederik. Three singles will be released: “Liden Kirsten” is a traditional Danish folk ballad telling the tale of how a king decided to make the lady of his desires the mother of his children and his queen without telling her first; “Carmen Vernale” is a song from around 1500, written by Morten Børup, cantor at Aarhus Cathedral, praising the arrival of spring and performed in the original Latin — the melody is played each hour by the bells of Aarhus Townhall; “Drømte Mig En Drøm” is an elaboration on the oldest recorded Danish song, being handed down to us in a runic manuscript from ca. 1300. A music video will be released for “Liden Kirsten”, while a lyric video version of “Drømte Mig En Drøm” will also be available.

In support of the album, SVARTSOT have been booked for a series of concerts across Denmark. Whilst only a few European shows are booked or planned at the moment, more will hopefully follow, if travel regulations permit.

* The most sucessful folk metal band in Denmark and one of the most recognizable in the international scene.

* A collection of traditional Nordic folk songs, adapted to the SVARTSOT characteristic style.

* With an incredible reputation as a live band, SVARTSOT has played in all the major metal festivals and will continue to do so in promotion of “Kumbl”.

* Vinyl collectors’ edition in two different colours, each limited to 300 units.

"Liden Kirsten" - Official Video Clip:








Es ist ja nix Neues,das Richtig viele tolle Bands in Skandinavien ihren Ursprung haben.So auch SVARTSOT,die es mit ihrer "Art" des Folk-Metal geschafft haben,mich zu überzeugen.Insbesondere die Vocals von Thor Bager.Ich versteh kein Wort.Aber egal.Mit "Rotz" im Hals - und das meine ich NICHT böse - bringt er die Songs des Albums zu gehör und verleiht jedem Song das gewisse etwas.Das macht mir SPASS!Mir...der absolut nix mit dieser Musikrichtung anzufangen weiß...Aber ich lass mich gern überzeugen 😉

Besonders die Instrumentasierung find ich hoch interessant.Was da im einzelnen genau zum Einsatz kam,hört ihr auf dem Album.

8 von 10 Punkte


Veröffendlichung: 18.02.2022

THE NEPTUNE POWER FEDERATION brings back the love song and rocks as furiously as ever on their fifth studio album, "Le Demon De L’Amour"! The Imperial Princess and her crew of Aussie rockers lord over eight love songs that prove few can push the boundaries of rock and metal like THE NEPTUNE POWER FEDERATION!

Heading into the creation of their fifth studio album, "Le Demon De L’Amour", Australian psychedelic rock and roll brigade THE NEPTUNE POWER FEDERATION couldn’t let go of the fact that love songs had been commandeered, in their words, by “soft rockers, bedwetters and the introvert crowd.” Whereas rock had its glory period during the 1970s and 80s, the art of the love song is now lost within heavier music. Few bands are now willing to venture into such territory — metal and rock have settled comfortably into typical, predictable lyrical tropes that fail to pull at the heartstrings the way they used to. On "Le Demon De L’Amour", THE NEPTUNE POWER FEDERATION reclaims the art of the love song as their own.

Off the heels of their acclaimed 2019 "Memoirs of a Rat Queen" studio album, the members of THE NEPTUNE POWER FEDERATION utilized the unexpected downtime afforded from the 2020 COVID-19 pandemic to craft an album that takes more chances than its predecessor. While the band’s trademark rock swagger and prog tendencies still come into play, "Le Demon" ups the voltage and energy. True, there is a multitude of genre-blurring taking place, but the album’s infectious choruses and leaden riffs easily re-imagine metal and rock’s glory eras without blatant thievery.

Of course, all roads to THE NEPTUNE POWER FEDERATION run through lead vocalist Screamin’ Loz Sutch and her stage persona, The Imperial Priestess. "Le Demon"’s eight cuts find the indomitable frontwoman in top form, belting out tales of love from a female’s perspective, weaving in stories of cult worship, murder and hypnotism. The album’s artwork (created by guitarist Inverted CruciFox) also introduces her new nemesis — The Wizzard Princess.

Recorded at bass player JayTanic Ritual’s The Ped Food Factory in Marrickville, Sydney, with mixing duties provided by Clem Bennett, "Le Demon De L’Amour" leads THE NEPTUNE POWER FEDERATION into their tenth anniversary next year. Their journey has taken them from the sweaty clubs of Sydney to a global audience. Now armed with eight love songs sure to melt and captivate the most hardened metal hearts, THE NEPTUNE POWER FEDERATION boldly goes where few bands dare to go.


WOW!Ballert das!Dieser Stil,Songs bzw.Alben im 70s /80s-Stil heraus zu bringen,scheint am Anfang des Jahres 2022 die GROSSE MODE zu sein.Und DAS meine ich nicht böse,sondern ist als LOB anzusehen.Und wieder taucht eine Band auf der Bildfläche auf,die ein RIESIGE musikalische Bandbreite abdeckt.

Und dann ist da eine Frontfrau,die ich mir gern anhöre und bei ich mich nicht des Eindruckes verwehren kann,das sie etwas nach Debbie Harry (BLONDIE) klingt.Vielleicht ist DIESE,bei allem Respekt vor Debbie Harry,sogar die bessere Sängerin.

Der musikalische "Rest":Fett!Wenn alles gut läuft,gehen die in allen Belangen steil...Live  genauso,wie bei den Albenverkäufen!

8 von 10 Punkte

Veröffendlichung: 25.02.2022

THUNDEROR ist eine von den 80er Jahren inspirierte Heavy Rock/Metal-Band, die 2020 von den Skull Fist-Bandmitgliedern JJ Tartaglia und Jonny Nesta sowie Oscar Rangel (Ex-Annihilator) am Bass gegründet wurde. Das kanadische Power-Trio liefert stadiontaugliche Songs mit einem unbändigen Drive. Wuchtige Drums, blitzschnelle Gitarren-Licks, verträumte Synthies und durchdringender Gesang bilden das musikalische Gerüst, das THUNDEROR ausmacht. Viel Spaß mit der ersten Single, das Debütalbum FIRE IT UP folgt am 25. Februar 2022, begleitet von einer Europa/UK-Tour im März (Termin in Kürze).

Seit 2019 hatte Schlagzeuger JJ Tartaglia das Gefühl, nach einer neuen Herausforderung zu suchen. Als Mitglied mehrerer prominenter Metal-Bands in den letzten zehn Jahren und im Grunde genommen hauptsächlich als Heavy Metal Fan, war es an der Zeit, seine Suche noch weiter voranzutreiben. Ein neuer Kurs wurde für seine musikalische Mission abgesteckt. Er wollte seine Vision, sein Gefühl teilen... eine Botschaft, die er nur mit seiner eigenen Stimme vermitteln konnte. Davon angetrieben, begann JJ mit der Arbeit an Schlagzeugarrangements und Klavierstücken, die das Gerüst der Thunderor-Songs bilden sollten. Mit dem langjährigen Bandkollegen Jonny Nesta an der Gitarre und JJ, der auch an den Tasten und am Gesang komponierte, kam das Songwriting im Jahr 2020 schnell auf Touren und es entstand Material für ein ganzes Album. Ein enger Freund und Monster-Bassist, Oscar Rangel, wurde dann noch verpflichtet und das Line-up war komplett. Die Band verbrachte dann das nächste Jahr damit, das Album in Eigenregie auf eine authentische Art und Weise aufzunehmen. Und das Resultat gibt es dann in Form von "Fire It Up" ab dem 25. Februar 2022!

Wenn du jemals daran gedacht haben solltest alles stehen und liegen zu lassen und dich nach Abenteuer, Romantik und Gefahr sehnst, worauf wartest du dann noch? Mach es und lass THUNDEROR zu deinem Soundtrack werden!

6 von 10 Punkte


Ja...ganz nett...Das war´s denn aber schon.Ein Drummer der singt...Warum nicht?!Aber die Stimme nervt mich-sorry!In der Gesamtheit gehört:Ich höre 1 und kenn die anderen Songs!Absolut nicht mein Ding!SCHADE!Mit nem 4. Bandmitglied - sprich:mit einem,der vorne am Micro "rumhampelt-  könnte ich besser klarkommen.Aber so?Potenzial ist da...

GOODBYE JUNE - See where the Night goes

Veröffendlichung: 18.02.2022

Die drei Cousins (Landon Milbourn [Gesang], Brandon Qualkenbush [Rhythmusgitarre, Backing Vocals] und Tyler Baker [Leadgitarre]) vereinen harte Rock-Licks mit tiefem Südstaaten-Blues und Gospel-Swing und werden von ihrem Wunsch angetrieben, zeitlose, eingängige und hymnische Rocksongs zu schreiben. Die Band gründete sich nach dem Tod von Tylers Bruder im Juni (daher der Bandname) und schwor, sein Andenken mit ihrem gefühlvollen und lebensbejahenden Sound zu ehren.

Seit der Veröffentlichung ihres Debüts "Magic Valley" im Jahr 2017 haben die Jungs die Unterstützung des Rolling Stone erhalten, den Song "Liberty Mother" für eine hochkarätige Budweiser-TV-Kampagne sowie einen WWE-Titelsong beigesteuert, Shows in den USA und Europa mit Greta Van Fleet und ZZ Top gespielt und dabei 70 Millionen Spotify-Streams erreicht. Nach Auftritten bei ESPN, NFL, NHL, Need for Speed und Madden (EA) wurde das Trio für seine zweite LP Community Inn" von Earache Records unter Vertrag genommen, wo sie mit modernen Blues- und Southern-Rock-Größen wie Rival Sons, The Temperance Movement und Blackberry Smoke auf Platz 11 der UK Rock Charts landeten.

Nachdem sie die Dunkelheit der COVID-19-Pandemie und die Zerstörung des Nashville-Tornados im Jahr 2020 erlebt haben, sind Goodbye June bereit, ihren eigenen persönlichen Neon-Wegweiser zu enthüllen, der auf hellere Dinge hinweist, die sie als "Audio-Hintergrund für ausgelassene Feiern" anbieten: LP III, 'See Where The Night Goes' (Veröffentlichung am 18. Februar 2022).

Produziert und abgemischt von dem fünffach GRAMMY-nominierten Produzenten Paul Moak, ist die Vorfreude auf sonnigere Zeiten in den lebendigen Klängen von See Where The Night Goes" zu hören: ein Album mit ausuferndem Rock'n'Roll, der im Südstaaten-Blues verwurzelt ist und swingende Grooves, feurige Twin-Attack-Gitarren von Baker und Qualkenbush, unerbittlichen Rhythmus und feurigen Gesang von Milbourn bietet. Das Album ist durchzogen von aufbauenden Themen wie Selbstvertrauen und der befreienden Rock'n'Roll-Kultur, aber auch von Anspielungen auf dunklere Themen. See Where The Night Goes" ist schließlich all jenen gewidmet, die ihr Leben durch die COVID-19-Pandemie verloren haben: "Dein Song wird für immer weiterleben".

Mit Songwriting-Beiträgen von Scott Stevens (Buckcherry, Halestorm, Shinedown), Jarrod Ingram (Caylee Hammack, NF, Mickey Guyton) und dem GRAMMY-nominierten Blake Hubbard ist "See Where The Night Goes" ein Album, das man nicht verpassen sollte.

Alles bleibt in der Familie...Selbst die Musik.

Etwas Blues,70er-Style,gute Songs,inkl. etwas Blues - FERTIG ist das Zeug,was ich hier höre!Und irgendwie erinnert mich das ganze auch etwas an TESLA und an die BLACK CROWS...Das bedeutet aber keineswegs,das die genannten Bands kopiert werden.Das klingt schon alles sehr eigenständig und kompakt.

Die gewissen Ideen,um einem Song das gewisse etwas zu geben,besitzen die Jungs ebenfalls.Was dabei herauskommt,sind klar strukturierte Songs,die mit viel liebe zum Detail umgesetzt werden.

Mir macht es immer SPASS,wenn ich Songmaterial höre,in denen ich auch noch nach dem 10 Mal hören immer wieder etwas Neues höre bzw. entdecke.Das hier ist nicht einfach so "hingerotzt"!

8,5 von 10 Punkte





VOLCANOVA - Cosmic Bullshit

Veröffendlichung: 25.02.2022

Icelandic desert rockers Volcanova will release the EP ”Cosmic Bullshit” in early 2022.Following their acclaimed debut album ”Radical Waves” from 2020, the power-trio returns with 6 brand new cuts of cosmic grooves and volcanic jams.”Cosmic Bullshit” revisits the vibes of Volcanova’s debut album, while showing a newdimension of the band’s sound. A fine collection of fuzz, straight from the glacier-covered snow desert of Iceland. Heavy, melodic riffs, thundering bass-lines, and tight, punchydrums lay the foundation for huge, thick soundscapes. The band’s three vocalists all
contribute to massive sounding harmonies and interesting vocal arrangements, rarely found in the stoner rock- genre. All performed with a palpable live-rock energy.

”Cosmic Bullshit” was recorded and mixed in Reykjavik at Studio Helviti by Helgi Durhuus, Mastered by Esben Willems at Studio Berserk in Gothenburg. Artwork is done by Skadvaldur.
The EP is released on The Sign Records on 12” vinyl, CD, and all streaming platforms on the 25th of February, 2022. The release is followed by an 18 date European tour,supporting friends and fellow Icelanders The Vintage Caravan. Get ready.

Release: 25.02.2022, The Sign Records
01. Salem
02. Gold Coast
03. Desolation
04. End Of Time
05. No Wheels
06. Lost Spot

For more info visit:

5,5 von 10 Punkte


Stoner Rock, Desert Rock...oder wie auch immer!Mein Ding isses nicht.Die Ansätze find ich ok,aber nach längerem hören wirds langweilig.Damit kann ich nicht wirklich etwas anfangen!Besonders der Gitarrensound,der sich durch so ziemlich jeden Song "durchsägt",nervt irgendwann.Da ist meiner Meinung nach musikalisch noch viel Luft nach oben

Naked Gypsy Queens - Georgiana E.P

Veröffendlichung: 11.02.2022

Das Quartett Naked Gypsy Queens aus Tennessee, das sich als die neuen Schwergewichte der modernen Rock & Roll-Renaissance bezeichnet, hat seine Debüt-EP "Georgiana" angekündigt, die am 11. Februar über Mascot Records/Mascot Label Group erscheint. Mit verstärktem Blues, treibenden Grooves und zwei Leadgitarren knüpft die Band an den überlebensgroßen Sound ihrer Helden aus den 1960er und 70er Jahren an und hält die Flamme des Old-School-Hardrocks am brennen. Höre Dir die rohe, auf Riffs basierende Single "Down to the Devil" an, die heute veröffentlicht wird. “Georgiana" wird auf Vinyl und in digitaler Form erhältlich sein. Die digitale Version wird eine Live-Bonus-Performance des Titeltracks "Georgiana" enthalten. 

Die Naked Gypsy Queens wurden gegründet, als alle vier Mitglieder noch in der High School waren, und man baute sein Publikum auf eine ganz normale Art und Weise auf: indem sie jede Gelegenheit zum spielen war nahmen. Sie bissen sich an Klassikern von MC5, den Stones, Pink Floyd und den Allman Brothers die Zähne aus. Diese Einflüsse ließen sie in ihre eigenen Songs einfließen und kreierten so ihren originellen Sound, der laut, aggressive und voller überdimensionaler Hooks ist.

Nachdem sie sich in ihrer Heimatstadt Franklin, TN, eine treue Fangemeinde erspielt hatten, richteten sie ihr Augenmerk auf Nashville und noch bevor eines der Bandmitglieder 20 Jahre alt war, wurden sie schnell zu einer der führenden Rockbands der Stadt.

"Unser Ziel war es, die härteste Live-Band der Welt zu werden", sagt Frontmann Chris Attigliato, der sich die Gitarrenarbeit mit Cade Pickering teilt. "Wir waren laut. Wir waren eine Band, die man auf der Bühne sehen musste. Wir wurden zum Kult, und bei manchen Konzerten bildeten sich Schlangen um den Block. Wir versuchten nicht, die höchste Anzahl an digitalen Streams zu erreichen; wir taten einfach das, was wir tun wollten, und machten die Musik, die wir machen wollten. 

Mit "Georgiana" tritt die Band selbstbewusst ins internationale Rampenlicht. Bei den fünf einzigartigen Hymen kommt die Chemie zwischen Attigliato, Pickering, Bassist Bo Howard und Schlagzeuger Landon Herring zum Tragen. "Georgiana", das Anfang des Jahres veröffentlicht wurde, ist eine brennende Hymne, die von einer Slide-Gitarre und donnernden Drums unterstrichen wird, und "Wolves" ist ein gitarrengetriebener Bombast-Track in Molltonarten. Abgerundet durch die dynamische Power-Ballade "If Your Name is New York (Then Mine's Amsterdam)" und das stampfende "Strawberry Blonde #24" zeigt "Georgiana" die ganze Bandbreite der Naked Gypsy Queens. Es ist die Momentaufnahme einer aufstrebenden Band.

Die Band nahm "Georgiana" in Detroit auf und arbeitete mit den Studio-Veteranen Marlon Young, Al Sutton und Herschel Boone zusammen. Um die Energie ihrer Konzerte einzufangen, nahmen sie jeden Track in einer Reihe von Live-Takes auf. Hohen Besuch erhielten die Jungs von Legenden wie Alice Cooper und Wayne Kramer von den MC5, die während der Aufnahmen im Studio vorbei schauten.

"Wir haben einen älteren Sound, mit etwas Neuem gemischt", sagt Howard, der sich daran erinnert, wie er im Keller der High School in Tennessee über Attigliato und Herring stolperte, die sich mit einem Können, das weit über ihr Alter hinausging, durch Led Zeppelins "Whole Lotta Love" spielten. "Als ich diese Jungs zum ersten Mal traf, wusste ich sofort, dass ich mit ihnen spielen musste. Ich wusste, dass wir Musik machen können, die andere Leute in unserem Alter anzieht und gleichzeitig diejenigen anspricht, die mit dieser Art von Musik aufgewachsen sind."

Mit ihrem generationsübergreifenden Sound schlagen die Naked Gypsy Queens eine Brücke zwischen der Vergangenheit und der Zukunft des Genres und schaffen zeitlosen Rock & Roll für die moderne Welt. Angeführt nicht nur von Chris' gefühlvollem Gebrüll, sondern auch von der klanglichen Wucht einer gelehrten Rhythmusgruppe und den ineinandergreifenden Riffs zweier Lead-Gitarristen, sind Naked Gypsy Queens auf dem besten Weg, Könige zu werden.


Etwas schwergängig...möchte man meinen,wenn man das "Zeuch" zum 1.Mak hört!Mag sein!Aber dafür ist es GEIL und verdammt gut umgesetzt.VORALLEM:NICHT LANGWEILIG!

Die LEBEN das,was sie da machen.Ohne "Wenn" und "Aber".Die 60er und 70er lassen GRÜßEN".Es tut meinen Ohren gut,mal etwas anderes in die Gehörgänge zu bekommen,als das geballer,was man sich sonst noch so antun muss,wenn das Radio läuft!


8,5 von 10 Punkte


Metal Cross - SOUL RIPPER 

Veröffendlichung: 25.02.2022

Thirty-eight years after their first rehearsal, seven years after their now mythical concert reunion at Metal Magic Festival, Danish cult heavy metal band Metal Cross is now ready to announce its
first studio album, “Soul Ripper”. The upcoming and long-awaited full-length record shows a band on top of their game, melting together the classic heavy metal of their now cult 80’s demos“Crucifying The Virgins” and “M.A.D.H.O.U.S.E.” with a renewed power and energy. It will indeed rip your soul and leave you thirsty for more from this Scandinavian heavy metal powerhouse.It all began in 1983.

During the eighties and prior to the break up in 1989, Metal Cross released two demo tapes: “Metal Cross” and demo 2 “M.A.D.H.O.U.S.E.” The band also contributed on two compilation albums. The band played concerts all over Denmark and shared scenes with other major danish metal bands such as Artillery and Invocater. Metal Cross played the bands last concert in the hometown of Randers on December 16 1989 – shortly after the band dissolved.

In 2009, one of the band members were contacted by the record company Horror Records asking if the band would approve the company’s release of the band’s two demo tapes in a vinyl format. After a long period of time trying to retrieve the material from the old day’s, an agreement was reached to release the songs from the two old tapes. In addition, it was decided that the recording of the very last Metal Cross concert could also be used. In 2014 the double vinyl album “Metal Cross” wasreleased. One LP with demo recordings and the other with the concert from 1989. In addition to this,a 7” bonus single with two live songs from another concert was released.

Following the release, Metal Cross was persuaded to play a single gig at the Metal Magic Festival in 2014. Prior to the festival performance, the band played a warm up gig for Artillery. After 26
years, Artillery and Metal Cross stood on the same stage one more time! The two jobs exceeded all expectations, and Metal Cross is back in full action again, and has played several festival gigs in
Denmark and always with great feedback from the audience.

In 2019 the former singer Henrik “Faxe” left the band and Esben Fosgerau Juhl took over his place and went directly into the studio. Metal Cross has since been doing and recording new material
through the last couple of years and they’re now ready to end the long wait for a first album with “Soul Ripper”. Metal Cross ambitions is not to be mistaken. They will hit all the small underground
stages, to the bigger festivals and aim for a European tour as well.

Michael Steen Sørensen: lead guitar
Peter Mogensen: drums
Jon Lybæk: rhythm guitar
Ole Quist: bass
Esben Fosgerau Juhl: vocals



Hab ich was verpasst?Diese Jungs sind schon ewig "unterwegs" mit ihrem "Zeug" und ich habs verschlafen?Welches Jahr haben wir gerade?Ach ja...2022."Olli,aufstehen!"...lach

Nun ja...Ich vergleiche Bands ja nun nicht gern anhand von anderen Bandnamen.Aber hier höre ich Metal Church,Riot und Amored Saint...und ich schaue in der Bio mal noch nach,um weiteres herzufinden...und was lese ich:die Vergleiche  mit eben genannten Bands.Und ich denke,die Vergleiche treffen den Kern-nämlich das abwechslungsreiche Song-Material-ganz gut!Irgendwie höre ich auch streckenweise Savatage...Also so ziemlich gute "musikalische Adressen"Allerdings...es wird nichts kopiert,sondern alles bleibt schön eigenständig a´la METALCROSS.Und das ist auch ganz gut so.

Die Drums ballern schön vor sich hin...die Gitarre sägt und sägt.Der Mann mit der Git-GEIL!Die Vocals...da weiß einer,was er machen muss mit seiner Stimme!

FAZIT:Ein STARKES Album und ich höre / finde keine schwächen bzw. hab nix zu meckern und deshalb...

9 von 10 Punkte

Hollis Brown - In The Aftermath 

Veröffendlichung: 04.02.2022

Das neueste Album von Hollis Brown, In The Aftermath (Mascot Label Group/Cool Green Recordings), ist das Ergebnis einer nächtlichen Rock'n'Roll-Session. Das Quintett aus Queens, New York, flüchtete in die Pocono Mountains, um mit ein paar Gläsern Whiskey Aufnahmen zu machen, und spielte in einer 24-stündigen Session das bahnbrechende erste Album der Stones, Aftermath aus dem Jahr 1966, komplett neu ein. In The Aftermath wurde live im Studio mit minimalen Overdubs aufgenommen und ist ein starker Beweis dafür, dass die fünfköpfige Gruppe eine der letzten großen amerikanischen Rock'n'Roll-Bands ist.

"Es war eine rasante Aufnahmesession - wir hatten keinen Schlaf und waren betrunken. Man kann die Lockerheit auf dem letzten Stück, 'Going Home', definitiv hören", erinnert sich Sänger und Gitarrist Mike Montali lachend. Er fährt fort: "Wir waren nicht auf Perfektion bedacht - wir wollten ein Feeling rüber bringen."

In The Aftermath ist der zweite Teil einer lässigen Hommage-Serie. Zuvor veröffentlichte Hollis Brown Gets Loaded, eine Hommage an Velvet Undergrounds Loaded. Das neue Album folgt direkt auf die bisher erfolgreichste Veröffentlichung der Band, Ozone Park aus dem Jahr 2019, das begeisterte Kritiken vom deutschen Rocks Magazin, Rolling Stone und vielen anderen erhielt.

Hollis Brown wurde 2009 in Queens, New York, gegründet und bestand aus den besten Freunden, Sänger und Gitarrist Mike Montali und Lead-Gitarrist Jonathan Bonilla. Den Bandnamen haben sie dem Bob-Dylan-Song "Ballad of Hollis Brown" entnommen, und der Name beschreibt treffend das Bestreben der Gruppe, eine charakteristische Americana-Mischung mit feinem Songhandwerk zu vereinen. Aktuell wird die Band durch Andrew Zehnal (Schlagzeug), Adam Bock (Tasten) und Chris Urriola (Bass) vervollständigt. Bis heute hat Hollis Brown eine EP, drei Originalalben und das bereits erwähnte 2014er Record Store Day-Tribut zum Album Loaded von Velvet Underground veröffentlicht.

Hollis Brown hat sich durch unermüdliches Touren eine engagierte Fangemeinde erspielt, die sich ihren Weg durch die USA und Europa bahnt, sowohl alleine als auch im Vorprogramm von Citizen Cope, Counting Crows, Jackie Greene, Jesse Malin und den Zombies, um nur einige zu nennen. Hollis Browns Musik ist in Film und Fernsehen zu hören. Zu den bemerkenswerten Platzierungen gehören Songs im Film Bad Country mit Matt Dillon und Willem Dafoe in den Hauptrollen, im Trailer für The Founder mit Michael Keaton in der Hauptrolle und in der Fernsehserien Shameless, DirecTV's Kingdom und MTV's Real World.

In The Aftermath war eine künstlerische Notwendigkeit für Hollis Brown. Die fünfköpfige Band genoss die Arbeit am VU-Album so sehr, dass sie anfingen, über eine "Hollis Brown presents..."-Serie zu scherzen, die prägende Platten in ihrem künstlerischen Kontinuum abdeckt. Der Anstoß zu Aftermath kam von einer Einladung, während der Pandemie auf einer COVID-Protokoll-konformen Hinterhofparty zu spielen. Die Anfrage sah vor, dass die Band ein klassisches Album ihrer Wahl aufführen sollte.

Aftermath wurde zum Stones-Album, in das man sich aus einer Vielzahl von Gründen vertiefen sollte. Zum einen ist es so etwas wie ein verlorener Klassiker geworden, da es das erste Album ist, das ausschließlich Eigenkompositionen der Stones enthält, darunter den entscheidenden Song "Paint It Black". Außerdem sind viele der Songs prägnante, extrem eingängige Rock'n'Roll-Rave-Songs, die ähnliche Blues- und Country-Wurzeln wie Hollis Browns eigene Ästhetik aufweisen. Ein weiterer interessanter Aspekt ist, dass es sich um ein Album handelt, das aufgenommen wurde, bevor Keith Richards zu seiner charakteristischen offenen G-Stimmung wechselte, die den Sound der Stones bis heute bestimmt. Da die Songs nicht an diesen spezifischen Gitarrenansatz gebunden sind, werden sie zum Freiwild für jeden, der mutig genug ist, es mit den Stones aufzunehmen.

Auf In The Aftermath versucht Hollis Brown jedoch nicht, die Stones zu übertrumpfen. Stattdessen finden sie clevere Wege, das Erbe der Stones zu würdigen. Für die erste Single des Albums, "Under My Thumb", destillieren sie den Track zu einem punkigen Knurren, das vom Sound des Some Girls-Album inspiriert ist. Hollis Brown liefert eine originalgetreue Interpretation von "Dontcha Bother Me" mit Muddy Waters-erprobter Slide-Gitarre, brodelndem Gesang und Mundharmonika. Die Jungs gehen mutig an "Paint It Black" heran und machen sich die bedrohliche Kraft des Stücks zunutze, indem sie die klassische Weltmusik-Perspektive gegen einen muskulösen Gitarren-Rock-Ansatz eintauschen. Hier wird das Schlagzeug auf einen ansteckenden Garagenrock-Beat reduziert, der perfekt mit den kräftigen Gitarrenriffs harmoniert.

Weitere Höhepunkte von In The Aftermath sind Going Home", das mit einem langen Jam am Ende aufwartet, bei dem die Gitarren die von Keith oft erwähnte Chemie der „Weaving Guitar" einsetzen, und „High & Dry". Letzteres ist ein vergessenes Stones-Juwel, und hier zeigt Hollis Brown eine Vorliebe für instrumentale Ausflüge, was die Frage aufwirft: "Was wäre, wenn die Stones im Exil ihren Backkatalog in dem behelfsmäßigen Aufnahmestudio in Keiths gemieteter französischer Villa wiederaufnehmen würden?"

Hollis Brown wird auf ihrer kommenden Tournee im Februar und März ausgewählte Stücke von In The Aftermathspielen. Die Inspiration, die sich aus den Aufnahmen dieses Albums ergeben haben, werden sich definitiv auf das nächste Studioalbum der Band auswirken.

"Die Aufnahme dieses Albums hat uns zurück ans Reißbrett gebracht", verrät Mike. "Es ging darum, zur Essenz der amerikanischen Roots-Musik - Blues und Country - zurückzukehren, eine Tradition, auf der unsere Band gegründet wurde."


Ich bin nicht unbedingt so ein Freund von gecovertem "Zeuch"...Aber gut...jeder hat da so seine Meinung.Zu dieser Scheibe...Sicherlich klingt da nicht alles so PERFEKT.Muss es auch garnicht,denn so bekommt das ganze so einen gewissen Charme.In der Gesamt gesehen wurde das schon sehr gut umgesetzt.Die Produktion bzw. das Album macht aber Bock und kommt nicht  "überproduziert" rüber,wie so manch anderes "Scheibchen".Die Herrschaften hatten einfach lust drauf-und das merkt man beim hören.Macht gute LAUNE!


7 von 10 Punkte


Veröffendlichung: 11.02.2022

Seit ihrer Gründung im Jahr 2014 haben ONCE HUMAN bereits mehrfach bewiesen, dass sie eine der unverwechselbarsten und zerstörerischsten Metalbands der heutigen Zeit sind. Die Band wurde von Gitarrist Logan Mader (ehemals Machine Head) und Sängerin Lauren Hart in Los Angeles gegründet. Von Beginn an arbeiteten sie hart und voller Leidenschaft an ihrer Liveperformance und entwickelten für die Erschaffung und Dokumentation ihrer Hymnen eine akribische Herangehensweise.

Schon bei den beiden bislang veröffentlichten Studioalben The Life I Remember (2015) und Evolution (2017), die bereits große Beachtung fanden, gingen ONCE HUMAN sehr individuell und eigenwillig vor: So gelang es, übliche Klischees zu vermeiden und sich stattdessen auf einen vielseitigen und brutalen, aber immer noch zugänglichen Stil konzentrierten. Laurens brillante Stimme verfügt dabei über alle Facetten und bietet einen unglaublich gefühlvollen und menschlichen Zugang zur Musik.

Vier Jahre nach ihrem letzten Album starten ONCE HUMAN nun einen neuen Angriff auf die Herzen und Ohren ihrer Fans. Mit einem Line-Up, das durch den langjährigen Bassisten Damien Rainaud, den Schlagzeuger Dillon Trollope und den zweiten Gitarristen (und nun Chef-Riffschreiber) Max Karon vervollständigt wurde, ist die Band zu einer noch bedrohlicher anmutenden Metal-Bestie geworden – ein Umstand, den die Band auf dem neuen Album “SCAR WEAVER” mit atemberaubender Souveränität unter Beweis stellt.

Für ONCE HUMAN stellt “SCAR WEAVER” einen großen Schritt nach vorne dar. Ihr neues Album hat die Band während der letzten zwei Jahre geschrieben und produziert. Die Lockdown-Situation im letzten Jahr war dabei Fluch und Segen zugleich: die hinzugewonnene Zeit ermöglichte es der Band, gemeinsam mit dem neuesten Mitglied Max Karon kreativ zusammenzuarbeiten und ihren Sound zu verfeinern. Herausgekommen ist ein wunderbar eigenständiges und modernes Metalalbum, auf dem Lauren Hart sich gesanglich in Höchstform präsentiert. Auf dem Fundament des explosiven Sounds der Band konnte die Sängerin stimmlich neue Dimensionen erreichen und ihren unglaublichen Stimmumfang eindrucksvoll unter Beweis stellen. Das erste Highlight des neuen ONCE HUMAN Albums ist die erste Single “DEADLOCK”, bei der kein Geringerer als Robb Flynn mitwirkte, Mitglied und Mastermind bei Machine Head. Logan Maders verbindet eine gemeinsame Geschichte mit Robb Flynn, die nicht zuletzt durch die gemeinsame Welttournee, der Burn My Eyes 25th Anniversary Tour, gut dokomentiert ist.

Lauren ist von der gesamten Erfahrung nach vollkommen begeistert: “Na klar, es war total toll!”, sagt Lauren. “Ich konnte nicht glauben, dass es wirklich passiert, bis er uns etwas geschickt hat und ich seine Stimme auf unserem Song hören konnte. Ich dachte nur ‘Oh Gott, das passiert jetzt tatsächlich!’ Er bat uns auch einen neuen Refrain an, der viel besser war als meiner. Also war mein Refrain verschwunden! (lacht) Als ich dann mit ihm im Video performen konnte, das war einfach krass. Diese Energie, die er auf die Bühne bringt, hat er auch als Person. Es war eine tolle Erfahrung und seine ganze Aura hat so viel Kraft. Das Video ist verdammt gut geworden!”



Als Erstes muss ich mal das Cover loben.Das gefällt mir sehr gut.Das strahlt auch die Energie aus,was dieses Album dann auch musikalisch vermittest:Voll auf die "Fresse"!.Absolut kompromisslos,intensiv und mit verdammt gut arrangierten Songs.Das macht so RICHTIG Bock.

Und wenn ich gerade so mal die "Liste" anschaue der Bands,die ich noch als Review "verarbeiten darf...Da fällt mir auf,das da Bands dabei sind,die man namentlich und musikalisch garnicht bis selten registriert hat,aber nun Material raushauen,welches sowas von Klasse ist!Aber das nur mal am Rande...Zu dieses Bands zählen auch ONCE HUMAN.

Anscheinend haben die Herrschaften in den letzten 4 Jahren intensiv an gutem Material gearbeitet und herausgekommen ist nun ein Album-wie im Info erwähnt-wie eine Bestie wirkt.Natürlich im positiven gemeint!

Besonders die Drums und die Vocals...Junge,Junge...das geht ab.Hinzukommen ein Arrangement und ein sehr gut Mix plus eine tolle Gitarrenarbeit!

9 von 10 Punkte








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